Connaissez-vous ce qu’est la batterie ?

D’abord les fûts composés d’une grosse caisse, d’une caisse claire, des toms aigus, du medium et du grave, puis des cymbales (une cymbale ride pour le jeu rythmique, la crash pour le break et le charleston qui est composé de 2 cymbales qui sont actionnées par le pied). Mais selon les styles musicaux ou d’autres besoins, d’autres percussions peuvent être ajoutées, notamment les cloches ou l’agogo. Mais quel est le rôle de la batterie ? Principalement à marquer ou à diriger le rythme. Au sein d’un orchestre, d’un groupe de musique, la batterie a sa place, au même titre que la guitare, la contrebasse, le piano et la basse.

Les techniques en batterie

Le batteur utilise des baguettes en bois, même s’il arrive que des batteurs utilisent des modèles en métal. La prise en main des baguettes se fait soit par la prise tambour où la main droite est au-dessus de la baguette et la gauche en-dessous, soit par la prise timbale où les deux baguettes sont tenues par-dessus. Cette forme de prise nous vient des américains. Quant au jeu charleston/caisse claire, il se joue avec les bras croisés ou ouverts. Si le batteur joue du jazz ou du blues, ce sont plutôt de balais qu’il va utiliser, une espèce de manches avec de longs brins et métalliques, et ce, afin d’obtenir un son doux et raffiné. Pour avoir un son de frottement, il va « écraser ou balayer » la caisse claire avec. Qu’en est-il du travail des pieds ? Il se fait sur la caisse claire ou bien avec le talon au niveau de la grosse caisse. Pour le jazz, le talon à terre ou le « pied à plat » permet une exécution plus rapide. Pour la technique du roulement, elle combine la vitesse d’exécution et le contrôle des coups accentués.

Et pour la batterie électronique ?

Avec la batterie électronique, le batteur joue sur des pads assez larges. Ceux-ci sont soit en fausse peau, soit en caoutchouc, et on en obtient le toucher d’une batterie acoustique. Peut-être direz-vous que rien ne vaut la batterie acoustique. Et des batteurs ne veulent pas entendre parler des batteries électroniques. Mais comme tout instrument électronique, elle présente tout de même des avantages. Par exemple, il vous est possible de mettre un casque lorsque vous jouez et donc, vous ne risquez pas de déranger les autres autour de vous. Vous pouvez vous entraîner autant que vous voulez, répéter à loisir, sans avoir à gêner personne. Vous aussi la possibilité de configurer le son comme vous le souhaitez.

Note Rush

Le concept de Note Rush est simple : « Réviser des notes tout en s’amusant ». Destinée aux débutants et intermédiaires, on peut retrouver l’application sur iOS et Android. Pour utiliser l’outil, vous devez reconnaitre le maximum de notes défilant sur l’écran. C’est une application bien adaptée pour les jeunes musiciens grâce à son graphisme simple et ludique. En réalité, il s’agit d’un jeu permettant de compléter les cours de formation musicale ou d’instrument.

Meludia

Meludia est l’application de musique qui est l’un des plus plébiscités par les amateurs et les professionnels. Grâce à ses principes d’apprentissage pas à pas, Meludia est un outil idéal pour s’initier en musique. Il est fait pour tous les niveaux (débutant, intermédiaire et avancé). Avant d’introduire les notions de solfège, les concepteurs de l’application ont misé avant tout sur la perception et de l’écoute.

EarMaster

EarMaster est une application multiplateforme (PC, macOS ou iPad). Ayant une version française, le software est destiné aux adultes et aux adolescents avec niveau intermédiaire ou avancé. EarMaster offre la possibilité d’écouter des intervalles, des accords, des gammes ainsi que des modules rythmiques avec la correction immédiate. L’interface et le graphisme sont faciles à comprendre, surtout avec l’interactivité.

imusic-school

Imusic-school est le site en ligne qui va vous apprendre à jouer un instrument en vous référant à des tutoriels en ligne. Regroupant aussi bien des adolescents que des adultes, la plateforme met en ligne des cours soigneusement préparés par des musiciens confirmés. Ceci permet au plus novice de gravir les échelons étape par étape. Sur le site, on peut retrouver divers styles, instruments et cours de tout niveau. Bien que l’instrument soit mis en avant sur imusic-school, il n’en demeure pas moins des bases de solfège et d’harmonie. Disponible en version mobile, il est possible de télécharger l’application sur la toile.

Van Halen est-il le père du tapping ?

Avant même de commencer à apprendre le tapping, on peut s’intéresser à son histoire… Tout aurait explosé avec le morceau « Eruption » du célèbre guitariste Eddie Van Halen. Mais l’apparition de la méthode pourrait bien remonter à quelques années plus tôt, dans le début des années 1970, quand le guitariste de Genesis l’a utilisée dans les titres « The Musical Box » et « Dancing with the Moonlit Knight ».
Ainsi, quand on voit à quel point des légendes comme Van Halen et Genesis ont popularisé cette technique, on a tendance à croire qu’elle est récente et qu’elle vient d’eux. Mais dans les faits, cette manière de faire existait depuis déjà très longtemps, on en trouve par exemple des traces dans la musique folk turque,avec des applications sur un instrument ressemblant à un luth (baglama).

À la recherche des pionniers du tapping

Selon Dave Bunker, à l’origine du premier instrument de musique spécifiquement élaboré pour le tapping à deux mains, cette technique aurait été inventée par Merle Travis et Jimmie Webster. D’ailleurs, quand on s’intéresse de plus près à la biographie de Jimmie Webster, on apprend qu’il est considéré comme l’inventeur du tapping à deux mains et qu’il a même écrit un manuel pédagogique au début des années 1950, avec des illustrations pour comprendre et maîtriser sa méthode.
Plus tard, dans les années 1970, on, a commencé à frapper les cordes des guitares plus souvent. En 1969, par exemple, Emmett Chapman (guitariste jazz) a mis au point une nouvelle méthode de tapping, impliquant de placer ses deux mains perpendiculaires au manche en sens opposé (une disposition devenue classique aujourd’hui).
Le guitariste blues / jazz Randy Resnick, lui aussi, a exploité le tapping dans ses concerts, en utilisant plusieurs de ses variantes de manière successive entre la fin des années 1960 et le début des années 1970.
Plus les années ont filé, plus les guitaristes ont exploité le tapping et y ont apporté des modifications. En 1977, par exemple, Ace Frehleya utilisé un médiator. Par la suite, Van Halen a vraiment exploré toutes les dimensions du tapping pour ses solos,rendant de fait la méthode particulièrement populaire.

Quand peut-on apprendre le tapping à la guitare ?

Comme vous avez pu le lire dans cet article, ce sont de grands guitaristes qui ont rendu le tapping populaire. Alors si vous venez de commencer les cours de guitare, vous vous dites peut-être qu’il est encore trop tôt pour tenter de vous initier à cette pratique… Dans les faits, rien n’est impossible : n’hésitez pas à demander à votre professeur s’il est possible de vous montrer comment procéder, il saura vous apporter des bases et vous proposer des exercices à votre portée.
Pour bien réussir le tapping, on conseille d’utiliser l’index ou le majeur (essayez avec chacun de ces deux doigts, et conservez celui avec lequel vous avez le plus d’aisance). Faites-en sorte d’adopter un mouvement rapide pour obtenir le meilleur effet possible, en allant vers le haut ou vers le bas. N’hésitez pas à travailler le même modèle pendant plusieurs cours de suite, jusqu’à ce que vous le maîtrisiez totalement, avant de passer à de nouveaux défis.

Symboles d’un renouveau

Ils explosent de jeunesse, donc pas de longue barbe, ils sont insolemment beaux et joliment tatoués. Au lieu du banjo et de la bandoulière habituels, des santiags et des chapeaux de cow-boy, ils portent plutôt des bracelets, des bagues XXL et des casquettes. Exit aussi les chemises à carreaux. Leur musique, c’est de la country music nouvelle génération, elle est multiculturelle mais aussi pop. Elle est pleine de vigueur, rien à voir avec la country du Midwest.

Sous les projecteurs

Ces nouveaux venus ne peuvent qu’attiser la curiosité de tous, fascinant le monde du haut de leur vingtaine à peine passée. Et c’est Kane Brown, le plus jeune des deux, qui sait merveilleusement bien sublimer la country. Les thèmes tournent autour de l’amour, ils sont romantiques et quand même un peu patriotiques aussi. Mais lorsqu’on l’entend chanter, de sa voix basse de crooner (incroyable!), là, on est complètement happé ! Ce timbre scintillant, ce coffre vocal à la Rag’N’Bone, de quoi se damner…Ce petit jeune est auteur-compositeur-interprète (rien que ça!) symbolise à lui seul l’américain authentique, proche de la nature et appréciant plus que tout la vie de famille, mais aussi le jeune intelligent qui a réussi à percer dans le show-biz et qui impose un look hip-hop à suivre pour ceux qui l’aiment. Artiste country le plus nominé lors des derniers American Music Awards, Kane Brown a cumulé les éloges et les récompenses, dépassant, et de loin, les artistes plus âgés de la country.

Qui est Yvette Horner ?

Yvette Horner est née le 22 septembre 1922 dans les Tarbes en Hautes-Pyrénées. Elle débute sa carrière au piano. Elle a même décroché le 1er prix au conservatoire de Toulouse. Elle ne s’y attarda pas trop dans cette voie. Elle a gagné la coupe du monde d’accordéon en 1948 malgré le fait que peu de femmes étaient reconnues dans le domaine. Depuis, elle a commencé son ascension dans l’univers musicale jusqu’en 2011 où elle a sorti son ultime album. Plus de 30 millions de cet album ont été écoulés durant l’année.

Une carrière époustouflante

Yvette Horner s’est fait connaître dans l’univers artistique et populaire français vers 1950. Le Tour de France lui a permis de se rapprocher davantage avec le public français. Elle jouait de l’accordéon sous les applaudissements des spectateurs sur le toit d’une traction avant d’un Citroën noir, habillée d’une robe multicolore. Elle vivait avec les coureurs l’ascension de col sous le poids se son accordéon. Elle avait René Droesch pour la soutenir, un ami et un mari qu’elle avait connu à l’âge de 14 ans. En collaborant avec Jean Paul Gaultier, le génie de l’accordéon a changé d’apparence. Le grand couturier prenait également plaisir à l’habiller. Elle trépidait avec Boy George, Charlie McCoy ainsi qu’au côté de l’orchestre à cordes de l’Opéra. Elle n’a pas cessé de multiplier ses apparitions et s’est forgé une carrière extraordinaire en tant qu’accordéoniste. Elle se définit elle-même comme une pile électrique qui s’adapte à tous les styles musicaux. Que ce soit avec la quatrième symphonie de Beethoven ou encore à côté des Rock stars, Yvette Honer a fait vibrer le cœur des Français avec son accordéon.

Une disparition très touchante

Si François Mitterrand lui a décerné la médaille du chevalier et Nicolas Sarkozy lui avait élevée au niveau de commandeur de la Légion, c’est au tour de Emmanuel Macron de le rendre hommage. Yvette Honer s’est éteinte à l’âge de 95 ans, en laissant un trésor musical inestimable. Elle a hérité d’un talon hors norme qu’elle a fait profiter à tous les Français. Elle a su envouter le public par le frissonnement de son accordéon qui restera gravé dans tous les esprits.

Économie d’espace

Un clip vidéo a une taille plus importante qu’une version audio. Par contre, celle d’un fichier mp3 est beaucoup plus petite. Si votre appareil (Smartphone, tablette ou PC) manque d’espace suffisant pour le stockage de vos musiques vidéo, vous serez dans l’impossibilité de télécharger autant que vous le voulez. L’option qui s’offre à vous est la conversion de vos clips vidéo préférés en un format mp3. Ce dernier nécessite un espace de stockage moins important. Ainsi, vous n’aurez pas de difficulté à stocker plusieurs musiques. En outre, la vitesse de chargement d’un fichier mp3 est pus rapide. Cela signifie que vous n’avez pas à attendre un certain délai pour pouvoir écouter vos morceaux.

Une bonne qualité de son

Lorsque l’on effectue le téléchargement d’un clip vidéo, la qualité du son est l’une de nos principales préoccupations. Il est évident que personne ne voudra d’une vidéo convertie avec une piètre qualité sonore. Sachez que, quelle que soit la vitesse de chargement, un fichier mp3 conserve toujours la qualité du son de la vidéo initiale.

Pour avoir une qualité sonore optimale au niveau de vos fichiers mp3, privilégiez toujours les plateformes de téléchargement légales. Les utilisateurs plus expérimentés ont recours à des logiciels spécifiques pour améliorer encore plus la qualité du son. Mais en général, vous n’aurez pas besoin d’avoir recours à ce type d’outil, car vous pouvez écouter toutes vos chansons préférées avec un son assez net qui ne contient pas d’interférences.

D’autres points à noter

Autrefois, lorsque vous aimez une chanson spécifique d’un artiste, vous étiez obligé d’acheter l’album tout entier. Donc, en quelque sorte, vous avez fait un achat inutile, car il se pourrait que vous n’appréciiez pas les autres chansons. Aujourd’hui, la technologie numérique vous donne la possibilité de ne télécharger que la chanson que vous préférez et de l’écouter par la suite. Si vous décidez d’utiliser un convertisseur YouTube pour obtenir une version mp3 des vidéos YouTube, sachez que les métadonnées sont plus cohérentes et de meilleure qualité sur un format mp3. La saisie est plus centralisée et les morceaux que vous écoutez fournissent une performance optimale à tous les niveaux. En effet, les plateformes qui proposent des services de téléchargement sont plus enclines à satisfaire les besoins des utilisateurs. Chacun rivalise d’ingéniosité afin de proposer le meilleur service pour se démarquer de la concurrence. Ainsi, certains convertisseurs proposent des formats de sorties mp3, mp4, etc. Il convient enfin de noter que les mélomanes ont un large choix de musiques sur YouTube. En effet, de plus en plus de maisons de disques ou d’artistes utilisent le web pour vendre leurs albums et singles. De plus, la musique est accessible à tous. Si vous optez pour une plateforme de téléchargement payante, vous contribuez à faire connaître l’artiste par le biais de ses chansons que vous écoutez.

Le piano, un indissociable du jazz

La formidable palette du piano lui assure une place de choix dans la formation jazz. D’ailleurs, pour la petite histoire, sachez que cet instrument qu’est le piano a été le premier instrument soliste du jazz. Cela a été le cas bien avant que le genre ait été connu sous cette appellation. Le piano a eu le temps pour définir ses propres genres, dont le boogie woogie, une musique au rag d’enfer qui a été adaptée du blues dans les années 20. Plus tard, le piano s’est délesté peu à peu de sa dominante rythmique originale et tendait davantage vers l’harmonie et la mélodie. C’est ainsi que le piano a commencé par accompagner puis à chanter.

L’évolution de la place du piano en jazz

A l’ère du swing, le piano se retrouve au beau milieu des grands ensembles de Duke Ellington et de Count Basie. Des années après, il est en trio, quelquefois avec batterie, d’autres fois non. Puis, le piano, en accompagnant le jazz, a atteint divers sommets, c’était le cas avec Art Tatum, ensuite avec Thelonious Monk, en versant dans le bepop. Et puis Bill Evans est venu, et devenu le pionnier et le meneur de tous les harmonistes. En tout cas, aujourd’hui, de nombreux pianistes s’accordent à dire qu’au piano, on peut tout faire, soit jouer en solo soit accompagner.

La particularité des guitares électriques

Les guitares électriques ont un corps creux ou solide que l’on appelle hollow ou solid body. On trouve sur le marché plusieurs formes de guitares électriques. Le modèle le plus apprécié par les guitaristes reste la guitare Les Paul fabriquée en 1952. Ensuite, il y a la guitare électrique SG, un modèle plus récent pour les adeptes de modernité. Elle embarque une double corne emblématique et un double pan coupé. La guitare ES-45 est un modèle particulier, car elle a un corps creux comme les guitares acoustiques. De plus, elle est très légère offrant ainsi un meilleur maniement. La guitare RG ou Roadster Guitar a été conçue en 1979 par Ibanez. Elle est devenue une icône dans le monde du rock et du métal. La forme explorer est également appréciée par les guitaristes de rock et de métal. Les guitares stratocaster ont été fabriquées par Leo Fender en 1954. Elles sont très pratiques, car grâce à ses pans coupés, on peut facilement accéder aux cases les plus aiguës. La guitare Telecaster de Leo Fender a un style exotique. Elle a été créée dans les styles de musique hawaïenne pour jouer le country ou le blues.

La spécificité des guitares acoustiques

Les guitares acoustiques sont idéales pour jouer de la basse. Elles embarquent avant tout les guitares classiques, le modèle le plus ancien au monde. La guitare classique est appréciée des débutants pour sa facilité de maniement. Mais, de grands musiciens l’adoptent pour jouer de la musique classique ou encore de la musique tropicale comme le flamenco et le bossa. Si vous optez pour ce type de guitare, l’article sur Guitarepepere.fr vous aidera à bien choisir l’instrument qu’il vous faut. Sachez en tout cas que la guitare classique est généralement faite en bois massif ou en contreplaqué avec des cordes en nylon. C’est tout le contraire de la guitare folk qui est équipée avec des cordes en acier. La guitare classique est disponible en tailles différentes. Bien d’autres guitares sont plus sophistiquées. La guitare dreadnought fait partie des guitares folks. Elle offre beaucoup de basses et un son assez grave, mais pas trop. La guitare dreadnought est très polyvalente. La guitare jumbo a une taille imposante pour les guitaristes ayant un grand gabarit. Par ailleurs, elle produit des sons très puissants pour jouer du rock. Le rythme est soutenu et le jeu bénéficie d’une justesse sans égale. La guitare auditorium est plus fine et offre un volume sonore limité. C’est idéal pour jouer avec finesse et en douceur. La guitare concert se trouve au centre de la guitare jumbo et l’auditorium. Elle est plus petite que la guitare jumbo, mais offre un son très puissant pour un concert ou un enregistrement. Le son peut remplir toute la pièce et la caisse est facile à manier.

L’invention du clavecin remonte au moyen âge

Originaire de la Bourgogne ou bien de l’Italie, le clavecin a vu le jour au XIVe siècle. La littérature de l’époque faisait déjà allusion à cet instrument à cordes. Dans une lettre datant de 1397, Lodovico Lambertacci attribue l’invention des clavecins à Hermann Pol. Dans un courrier pour son fils, cet homme originaire de Padoue donne des détails sur l’apparence de cet instrument produit en Italie à ses débuts.

La noblesse de l’ancêtre du piano reste indiscutable

Le clavecin est un instrument de musiques apprécié de la noblesse. Il animait les soirées mondaines et les danses de salon. A la Révolution française, les clavecins sont bannis de la culture populaire et relégués à un rang inférieur. Après 1789, ils faisaient partie de vieux meuble de la noblesse. Il a fallu attendre un siècle plus tard pour que l’instrument de musique fasse à nouveau parler de lui. L’exposition universelle de Paris en 1889 a relevé un modèle beaucoup plus moderne. Le clavecin de l’époque était signé par le fabricant Pleyel et Erard.

Un instrument à cordes avec 5 octaves

Le fonctionnement du clavecin reste pratiquement le même que celui du piano. A chaque fois que le claveciniste appuie sur une touche, une corde en laiton est frappée par une pièce métallique. Le son perçant est alors amplifié par une caisse de résonnance appelée table d’harmonie. Les instruments d’époque comptaient 3 à 5 octaves. Chaque clavier est indépendant, mais il est possible de les jouer en accord harmonieux. En France, le clavecin accompagnait quelques tubes dont les chansons de Jacques Brel.

À la rencontre des jeunes musiciens français qui s’exportent à l’international

Parmi les jeunes musiciens français qui s’exportent à l’international, le plus connu est « Petit Biscuit », de son vrai nom Mehdi Benjalloun, 18 ans mais déjà qualifié de « petit prince de l’électro », notamment grâce à son hit Sunset Lover. Il a déjà donné plusieurs concerts aux États-Unis et en novembre 2017, le 10, il a sorti son premier album et le 21, c’était le Zénith à Paris. Le 2e de ces jeunes musiciens français qui s’exportent à l’international, c’est Kungs ou Valentin Brunel. Ce Toulonnais de seulement 21 ans est connu pour être celui qui fait danser le monde et compte déjà à son actif une tournée mondiale.

Quels autres jeunes musiciens français qui s’exportent à l’international ?

Il y a encore 3 autres jeunes musiciens français qui s’exportent à l’international dont Océanne Belle, 25 ans, portant haut l’électro-R’n’B. Puis KillASon, un vrai génie du rap et du hip-hop qui, du haut de ses 21 ans, a déjà fait une tournée asiatique en mai 2017. Et enfin, de tous les jeunes musiciens français qui s’exportent à l’international, il y a Carpenter Brut, créateur du Metal Dance.